Un libro, es sin duda, un producto muy difícil de promocionar,  porque la fantasía y personajes al volverse reales, dejan de ser creaciones de nuestra imaginación. Éste siempre ha sido un terreno peligroso en el campo de los libros, si pensamos en cuántos de estos llevados a la pantalla grande nos han dejado insatisfechos, la lista no sería pequeña. Pero este comercial, a mi parecer supera todas esas barreras.

A  partir de eso fue que me encontré con este comercial que logra darle vida al libro “The Witch of Portobello” del escritor brasileño Paulo Coelho. En este hay un minucioso trabajo de caracterización de personajes, música, escenarios y expresiones corporales de los narradores, que dejan la vara muy alta en la promoción de dichos productos.

De seguro pensaron que tiene q ver HP con la promoción del libro, y es que este tipo de comerciales centrados en un narrador con un plano de sus manos es parte de una gran campaña de esta marca, y en este caso viene a posicionar a sus computadores como los artífices de la magia creada por el escritor, un mensaje que me parece poco sutil y fuera de lugar, no sé qué opinan ustedes.

Por otra parte la idea y gráfica me parecieron notables, así que aquí hice este material de los pasos a seguir para hacer este comercial, para que se hagan una idea de este proceso productivo: animación de personajes, utilización de croma, entre otros.

Fuente: Transistor Studios

La publicidad televisiva nos seduce día a día con creativas propuestas, sin embargo, la mayoría de las veces omitimos lo que va más allá de una simple pieza gráfica. Algunos generan controversia, discusiones, seguidores, hasta incluso respuestas por parte de otras empresas.

Para este caso, quiero destacar la publicidad de Dove, que el año 2007, a través de su campaña “Belleza Natural” llamó a romper el prototipo de mujer atractiva perfecta, dirigido principalmente a las madres de hijas que ven televisión y comerciales que utilizan este estereotipo de mujer.

“Las mujeres quieren modelos que parezca que forman parte de la industria de la moda y que se parezcan a ellas. Esto las hace sentir que ella también forman parte de la industria de la moda y que son consideradas bellas”, afirma Ben Barry, quien a través de un estudio en la Universidad de Cambridge prueba que las mujeres no se sienten identificadas con las modelos delgadísimas, jovenes y de piel blanca de los anuncios.

Concepto clave para una sociedad que tiene instalado el estereotipo de perfección a través de los medios de comunicación. Este es la idea desarrollada por Dove en el siguiente comercial:

Luego  de su aparición, Greenpeace lanza como respuesta una réplica de la publicidad, donde acusan a Dove de despreocuparse de las áreas verdes en el proceso productivo, utilizando aceite de palma (1,3 millones de toneladas/año), extraído de los bosques de Indonesia, convirtiéndose en uno de los mayores consumidores en el mundo.

Gracias a este comercial, Greenpeace pudo llegar a un acuerdo con la compañía de Dove, “En sólo dos semanas la empresa había recibido decenas de miles de correos electrónicos de protesta de todo el mundo,  y vio nuestro video viral “Dove Onslaught (er)” despegó más rápido que cualquier cosa que hayamos hecho antes. La presión pública movió.” ¹

Algunos comerciales buscan internar en la mente de los consumidores el esfuerzo que hacen por difundir mensajes sociales de manera de generar conciencia y al mismo tiempo hacer más atractivo su producto.

Sin embargo, vemos cómo la publicidad puede generar tal controversia de crear conciencia social y promover cambios de actitudes dentro de un corto plazo. Los consumidores son los que ponen en duda la verdadera identidad de la marca al ver las contradicciones ideológicas con respecto a mejorar la sociedad en ciertos aspectos y destruir el planeta en otros. Esto nos lleva a juzgar la intención de la publicidad y hacernos pensar que no todo podía ser tan perfecto como nos muestra la televisión.

Para mayor información ingresa a:

1. http://www.greenpeace.org/international/campaigns/forests/asia-pacific/dove-palmoil-action

Nada más atractivo que ver un comercial de TV que nos provoque risas, diversión y nos invite a “pasarlo bien” con un fin de apoyar una buena causa.

Por lo general, Unicef se ha caracterizado por producir buenos spot para sus diversas campañas. Ha intentado apelar con diferentes conceptos creativos, algunos recurriendo a la emotividad relacionada con el abandono o responsabilidad social, y por otro lado, con la alegría y lo reconfortante de ayudar.

Apelación a la responsabilidad y al compromiso social con una realidad que necesita urgente ser considerada, es lo que resume el siguiente comercial. Este spot, posee un excelente tratamiento de la imagen. La gama tonal gris, los elementos utilizados, el delicado trabajo de las tomas de cámara con planos de detalle, las situaciones escogidas y la casi ausencia de la figura humana nos connotan una fuerte carga simbólica de abandono, de tristeza, soledad y melancolía, como metáforas de lo que viven día a día esos niños que necesitan la ayuda.

Unicef desde leone balduzzi en Vimeo.

Por otro lado, muy llamativa y original es la propuesta realizada por Smog – Santiago Motion Graphics. El spot que realizaron destaca por lo lúdico de su mensaje. La trame trata de tres personajes muy particulares, animados en 3D , que dan ejemplos de que se puede hacer con $200 pesos chilenos.

Apuesto por este tipo de conceptos, a veces los spot para fundaciones y/o organizaciones sin fines de lucro pecan en recurrir a la culpa o conmoción para apelar a los espectadores. Más de lo mismo, no le hace bien a la sociedad, por eso me quedo satisfecha con la apuesta de Smog.

Ver más información en Unicef

Posteado por Naty H

¿Te acuerdas del videoclip de Youtube que usaba stop motion, “Her Morning Elegance” de Oren Lavie y que todos alababan?  Resulta que meses después fue plagiado y re plagiado por compañías como Comcast Corporation y Telefónica de España decidió ( lanzamiento de su ADSL de 6 Mb). Lo que me parece terrible, ¿que control hay sobre el plagio? ¿qué podemos hacer para que no nos roben las ideas las grandes marcas?

Aquí los dejo para que compares:

¿Te imaginas una pantalla que reacciona al ritmo de los movimientos del cuerpo con imágenes, textos y formas que van apareciendo y moviéndose a medida que uno interactúa con ellas? Suena algo irreal, sensaciones apoyadas por visuales que irrumpen en el espacio tradicional para darle un toque fantástico. Lo cierto es que esta tecnología se está desarrollando hace bastante tiempo en variados MediaLab y las grandes marcas ya las utilizan para sorprender a sus clientes.

Un ejemplo de ello se encuentra en Argentina, ellos son i2off.org+r3nder.net, un grupo de autodidactas que desarrollan la alucinante “publicidad de experiencia” creando tecnologías innovadoras que hacen converger arte, ciencia y tecnología.

¿Cómo lo hacen? Usando algoritmos generativos y análisis de datos audiovisuales en tiempo real, más variadas técnicas como Augmented Reality o Mixed Reality, entre otras. Aquí les dejo un video para que entiendan de lo que hablo.

Sin lugar a dudas estas nuevas tecnologías vienen a romper lo preestablecido e instaurar lo expresivo en un mundo que ya se encuentra saturado de más de lo mismo y necesita de este tipo de cosas que nos ayuden a sentir y reaccionar frente a lo que vemos, y lograr así imaginar que estamos en un nuevo escenario, el de la publicidad de experiencia.

Más información en: www.i2off.org ; www.r3nder.net ; EstadoLateral ; Flickr i2off+r3nder

Los inicios de transmisiones de la televisión abierta reflejan de alguna forma la línea editorial de los canales. Algunos aprovechan este espacio y se la juegan por completo, otros no tanto, por ejemplo, entre TVN, Canal 13 y Megavisión, me quedo con la propuesta de diseño de  Televisión Nacional.

Canal 13

Me defraudó. La gráfica del canal me gusta bastante por su frescura y dinamismo, pero el inicio de transmisión es demasiado corto y predecible, se basa básicamente en un juego de líneas a lo Motion Graphic y nada más. He visto spots de este canal mucho más creativos y con más aporte visual y de contenido que este inicio, ¿qué sucedió?

Mega

Tiene un poco más de preocupación, pero no me deja satisfecha. Este inicio muestra a los rostros más representativos del canal como un modo de hacerlo más cercano y cotidiano.

El problema está en que es un conjunto de recortes de los mismos programas que se transmiten, sin mucho trabajo de composición de planos . Podrían haber buscado una propuesta más innovadora con planos de cámara más atractivos.

TVN

Una propuesta más simbólica, simple, clara e innovadora. Es un poco larga porque relata desde quienes son los responsables, a la misión y visión del canal. Las imágenes  representativas de lo que se va narrando en voz en off son una propuesta creativa de decir la información. Se podría mejorar sólo la música, por la duración, se vuelve un tanto monótona.

Quienes creemos que nos gusta escuchar “buena” música, esa que marcó etapas dentro de nuestras vidas como en la infancia noventera  y que conocíamos tal vez por  nuestros hermanos mayores, quienes tenían un mayor conocimiento histórico-musical en ese entonces; debemos agradecerle a vh1 por existir. Sobre todo cuando MTV (a pesar de ser “hermanos”) dejó de ser un canal de música desde hace rato, y se dedica a emitir programas “reality show” y alguno que otro video malo para adolescentes tipo High School Musical, Rebelde o peor aún Amango, en la versión chilensis.

Además, cómo no agradecerle si se preocupa por el desarrollo de un concepto “pop” que representa fielmente la mixtura de estilos que han marcado a  las generaciones entre 18 y 45 años a las que se dirige. Acompañando a todo lo anterior, recluta profesionales para generar piezas audiovisuales de calidad, las que se emiten actualmente, como el diseñador gráfico canadiense James White y el artista visual PJ Richardson (del estudio Laundrymat LA), quienes en su búsqueda interpretaron por medio de gráficas para la programación, la llegada de la tv a color en los 70’s desde un punto de vista contemporáneo a través de un manejo del haz de luz, el flúor y modernas tipografías minimalistas (vía http://blog.signalnoise.com/?p=775).

Por otro lado, también existen otras incursiones tipo “motion typographic” que resultan ser cautivantes a la hora de mostrar las cortinas que ayudan a comprender eficientemente de qué trata la identidad corporativa del canal: una imagen que recuerda el pasado más allá de la nostalgia, retratándolo desde un punto de vista moderno, pertinente a los códigos estéticos actuales y que le otorga un aire rejuvenecedor a aquellas canciones que permanecían dispersas en nuestra memoria.

“Once in a lifetime”, Talking Heads. Realizado por el estudio Sixty40

Actualmente creemos estar igualando los roles de cada género y dejando de lado las diferencias del llamado sexo débil, sin embargo, la televisión es dueña de mostrarnos variados puntos de vista que muchas veces son contradictorios para un mismo tipo de producto.

Este es el caso de las piezas audiovisuales publicitarias de desodorantes Dove para mujeres y Axe para hombres. Si bien es propio de cada género demostrar las características propias de cada uno de ellos, los comerciales van más allá de generar estereotipos de consumidores, creando un escenario de uso con mensajes sociales más fuertes.

Dove utiliza la diversidad y belleza propia de la mujer como herramienta clave en la publicidad de su producto, mujeres que salen del estereotipo social de mujer esbelta y facciones delicadas, para instaurar un mensaje en el que todas ellas, con cualquier tipo de características son atractivas y merecen utilizar su producto. La gráfica es principalmente simple, limpia y minimalista, lo que permite resaltar a su protagonistas con naturalidad.

Axe, opuestamente utiliza mujeres delgadas y voluptuosas para promover el uso del desodorante para hombres. Los protagonistas son expuestos como un objeto de deseo ante las mujeres que lo rodean, que actúan instintivamente hacia aquellos que utilizan el producto como un símbolo sexual. Cualquier hombre puede ser un imán hacia las mujeres si utiliza el producto.

Vemos como los productos comienzan a venderse no por sus características de uso, sino que principalmente por el escenario que es generado para mentalizar en los televidentes un concepto que rodea el producto. Ya no son desodorantes para la transpiración, sino que son desodorantes para hacer sentir a la mujer más bella o para atraer mujeres en el caso de los hombres, entre varios otros. Son mensajes sociales que podemos estar o no de acuerdo, sin embargo, permiten exponernos diferentes puntos de vista, donde creatividad utilizada logra producir un comercial más atractivo y diferenciador de los demás.

Para más información ingresa a:

Dove: www.porlabellezareal.cl

Axe: www.theaxeeffect.com

Ni marcas como Hp, ni Olympus han podido quedar fuera de la última tendencia de usar el stop motion en sus spot publicitarios. Dicho tipo de animación cuadro a cuadro no es algo nuevo, sus orígenes datan de 1905 (de la mano de la cinematografía rusa) y que hoy, inmersos en un mundo tecnológico es rescatada para darle “artesanalmente” movimiento a cualquier objeto estático. Esta animación le otorga una gran riqueza gráfica al producto final, pero hay que tener claro que para lograr un buen resultado se requiere una buena dosis de paciencia.

Dejo los videos de unos de los últimos spot realizados con esta técnica.

Hewlett-Packard lanza un notable trabajo ideado por dos licenciados en Design Comunication de la Universidad de Kingston. Para su realización se utilizan 8 impresoras que dan vida a un modo de impresión bastante creativo, dinámico y cautivante.

Olympus Pen (desde 1959) en su aniversario 50 utiliza esta técnica para enfatizar el gran recorrido histórico que ha hecho junto a sus usuarios capturando momentos, es por ello que utiliza muchas fotografías impresas que van avanzando desde lo antiguo a lo actual. En este spot al tratarse de una cámara fotográfica la idea del stop motion se ve aun más potenciada al otorgarle una carga emocional a la captura de momentos preciados. Un dato curioso es que para su realización se utilizaron 9600 fotos impresas y nada de post producción.

En una época en que nos encontramos rodeados de una enorme diversidad de canales de tv, de los cuales muchos son similares entre sí. Se torna fundamental la creación de una identidad definida que logre una diferenciación y atraiga a los públicos objetivos agobiados de tanta oferta para una misma temática.

En este caso analizaremos el canal de programación infantil Discovery Kids, donde podemos encontrar diferencias dependiendo de la edad de los niños y los contenidos que allí se muestran. Este se caracteriza por tener una imagen limpia y clara con colores saturados que irrumpen para dar vida a la composición, su público objetivo son niños menores de 15 años, es por ello que su programación tienda a la pedagogía y no admite la violencia, con programas como Doky el que refleja fielmente lo didáctico, educativo y lúdico del canal.

Su logotipo también transmite lo antes mencionado, ya que es limpio y remite a un público más inocente que no le atrae la programación violenta. Por otra parte, al ser una marca hija de Discovery Network, remite a darle confianza a los padres al tener una concordancia con la programación educativa del su marca madre. En cuanto a la estructura del logotipo, este conserva la tipografía de Discovery y sólo se modifican algunos elementos que lo hacen más lúdico como: colores saturados y la tipografía de “Kids” en amarillo con curvas suaves. Este canal tiene un alto grado de diferenciación con respecto a otros como el desaparecido Fox Kids o el Jetix que sí tenían un contenido con cierto grado de violencia (con programas tipo Pokemon), elementos que se veían reflejados en su gráfica con tipografías 3D, metalizadas que connotaban programación acorde a las últimas tendencias tecnológicas.

Luego de este breve análisis se puede concluir que un canal debe ser fiel a sus lineamientos para la creación de su identidad, ya que esta será un reflejo de los tipos de programas que allí se transmitan y ayudará en la elección de un canal por parte de la audiencia.

Estos bebés sobre ruedas han dado la vuelta al mundo con el video de la campaña para agua mineral Evian. El realismo de los movimientos parecen convencernos que los bebés se inscribieron en un curso de baile, pero sabemos que eso no es posible, y es de ahí de donde surgen los cuestionamientos del desarrollo del comercial y su producción.

El proceso de construcción de la pieza audiovisual se compone principalmente de varias etapas, que son base en la realización de un comercial; la primera idea es desarrollada generalmente a través de bocetos para plasmar una aproximación a lo que será creado, luego se crea el storyboard, para determinar las escenas y los tiempos que se deben utilizar. Para seleccionar los pequeños actores se eligieron 134 bebés, que fueron filmados en un fondo verde en los Estudios Pinewood, en Reino Unido. Los cuerpos bailarines fueron modelados en 3D para lograr los movimientos necesarios, que fueron coordinados a través de un patinador profesional. Finalmente los cuerpos creados en maya 3D son complementados con los rostros reales de las grabaciones de los bebés y montados en un fondo que resultan este divertido video que parece completamente real.

El video fue realizado por el equipo de animadores de Movie Picture Company, que sin duda para llegar a este resultado se necesitó de gran cantidad de colaboradores. En cuanto a los programas de tecnología el video fue desarrollado a través de la utilización de Maya de Autodesk para modelar y animar los cuerpos junto con tomas y captura de movimientos reales (mo-cap o motion capture system) de patinadores, y bailarines profesionales y Apple Final Cut y AVID para la edición final.

El comercial publicitario logró captar más de 5 millones de visitas en la primera semana, espectadores que ya habían visto una primera versión de Evian que incluía bebés dentro de una piscina utilizando la misma tecnología bajo tema: “Observemos los efectos de Evian en su cuerpo”, “Aprobado por el cuerpo como fuente de juventud”

El slogan que sostiene la idea a través de la marca de origen francés Evian Vive joven, adopta a los personajes como símbolo de la enerigía y vitalidad que otorga el agua a quien la consume.

Las nuevas tecnologías y el diseño avanzan a pasos agigantados dejando incierto a las próximas novedades que serán capaces de mostrarnos y abriendo expectativas a todo tipo de posibilidades.

Para más información puedes visitar la página oficial en:

http://www.evianliveyoung.com/babies

Como una provocación a la realidad, el slow motion o cámara lenta es una técnica que retrasa artificialmente una acción con el fin de aumentar el impacto visual o dramático de la escena.

La cámara lenta se obtiene filmando una escena con un número de imágenes por segundo superior a la velocidad de proyección. Al pasar el video con un número de imágenes por segundo normal, la escena se alarga, lo que da la impresión de desarrollarse lentamente.

Este recurso es muy utilizado para dar énfasis a la imagen con una carga mucho más emotiva y simbólica, o también, para mostrar una realidad imposible de ser vista por los ojos del hombre, por ejemplo el impacto de una bala.

Por lo general, el slow motion se utiliza bastante en escenas explosiones, objetos que caen  al agua, pelotas de tennis o futball en movimiento, etc. El impacto que genera es sorprendente, un ejemplo de esta técnica es el video “Slow Motion Punches” realizado por Cody Kern, en dónde se muestran varias personas golpeadas por unos guantes de box, que al ser grabadas por una cámara a 1000 frames por segundo, el resultado es el detalle de rostros deformados en cámara lenta, pareciera que fuera creado, pero según el autor es parte de la realidad, sea o no sea verdad, genera un gran impacto visual en el espectador.

slow motion punches from cody kern on Vimeo

Aunque el slow motion nació de la filmación de imágenes con fines científicos e industriales, hoy en día se realizan artificialmente los mismos efectos a través de programas de diseño y animación 3D, con el fin de simular la realidad o para crear situaciones inexistentes e imposibles.

Un ejemplo claro de esto es la película Matrix, en el cual varias de sus escenas utilizan estos efectos. Una de las más reconocidas es en donde el protagonista esquiva disparos  pudiendo verse las balas dirigiéndose a él, de esta forma, se exagera la escena y se da énfasis al concepto de indestructible que posee el protagonista.